O Brasil é o único país do mundo onde, por três gerações, os artistas mais valorizados foram mulheres.

Beatriz Milhazes é a pintora contemporânea de maior sucesso do Brasil – embora ela realmente não pinte. Em vez disso, ela transfere formas pintadas de folhas de plástico para a superfície da tela, como uma colagem. Aos poucos, ela acumula camadas de listras, círculos e florais. É um processo trabalhoso, e seu estúdio no Rio de Janeiro mostra o quanto o planejamento é necessário. Acrílicos são classificados por tamanho, folhas transparentes são marcadas e fixadas a telas, filmes de cor nas paredes testam combinações nervosas.

Quando Milhazes mudou-se para a área do Jardim Botânico no Rio na década de 1980, as casas dos operários do século 19 eram quase abandonadas. Um muro de concreto coberto de pichações mostrava a negligencia com o lugar. Como ele, o trabalho superficial de Milhazes tem um cheiro subjacente de decadência. Esta combinação de decoração e decadência do modernismo europeu misturado com iconografia brasileira, de pintura que é aparentemente tradicional, mas tecnicamente inovadora, ganhou atenção internacional. Em 2012, “Meu Limão”, que concluiu em 2000, vendido por US $ 2,1 milhões na Sotheby em Nova York, foi a obra brasileira mais valiosa arrematada em leilão.

Valores altos de grandes leilões raramente são ocupados por mulheres: o Brasil é o único país onde ser uma artista feminina parece ser uma vantagem. Desde 1995, sete artistas representam os 30 melhores lances em um leilão, cinco dos quais são de mulheres. A tendência tem raízes profundas, ao longo de três períodos importantes da história da arte do Brasil, começando com o nascimento de seu modernismo iconoclasta.

Isso decorre do início do século 20, quando um grupo de intelectuais radicais conhecido como o Grupo dos Cinco desafiou o cenário conservador da cultural no Brasil. Tarsila do Amaral, um membro desse grupo, pintou “Abaporu”, uma figura primitiva surreal sentado em uma paisagem brilhante, colorida e ingénua. Agora reconhecida como uma imagem chave do precoce modernismo brasileiro. Baseou-se em arte popular e imagens indígenas, ao invés do sexo masculino, a tradição acadêmica da era colonial. Foi vendido em Christie New York por US$ 1,43M em 1995, tornando Tarsila numa das maiores artistas brasileiras, e em seguida, de maior preço oferecido em leilão.

Abaporu

Quando a Bienal de São Paulo foi lançado em 1951, o Brasil abraçou a arte moderna internacional. Mas no espírito do Grupo dos Cinco. Lygia Clark se recusou a arte europeia e americana. Começando com pintura bidimensional, ela migrou para esculturas. Visando interação de pessoas com suas obras de arte. Fundamentalmente, a artista não detém mais essa marca. Em 2013, “Contra Relevo (n.7 Objeto, 1959)” de Clark, foi vendido em Nova York por US$ 2.23m, o maior preço já pago por uma obra de arte brasileira em leilão.

Milhazes é parte de uma terceira geração de artistas do sexo feminino, aqueles que emergiram como a ditadura militar, entrando em colapso na década de 1980. Seu trabalho é apenas tangencialmente relacionado com os de Tarsila ou Clark, mas eles eram modelos para ela: “Tarsila foi minha grande referência quando eu comecei a desenvolver minha língua.” Milhazes aponta para a forma como ela faz suas pinturas. Eles são claramente “feito à mão”, mas, ao mesmo tempo, sem pinceladas expressivas, distanciado do golpe de mestre, a mão do gênio. “As mulheres podem ter uma abordagem diferente para a prática de estúdio, e talvez ser um pouco mais livre, porque, de certa forma, ninguém está interessado em como fazemos” isto “ou” aquilo, ela diz, meio de brincadeira. “A pintura está no coração de toda a história da arte [no sentido clássico] é uma coisa do sexo masculino, por isso é um negócio muito grande.”

Aracy Amaral, uma crítica brasileira influente e curadora, agora com seus 80 anos é um parente distante de Tarsila, sugeriu que na América Latina a arte foi associada com artesanato. Homens importantes nunca trabalharam com as mãos, até mesmo como um hobby, ao contrário de suas contrapartes protestantes norte-americanas. A arte era low-status. “Esta pode ser a razão pela qual as mulheres brasileiras, ao contrário dos seus homólogos europeus ou americanos, não precisa se esforçar para penetrar no mundo da arte, é o “seu mundo”, escreveu Amaral em 1993.

Quando o Museum of Modern Art ( MOMA ) foi fundado em Nova York em 1929, apresentou uma versão da história da arte – branca, masculina e ocidental – que se tornou o modelo para museus de arte moderna em todos os lugares. Agora que está sendo reescrita, Fondation Beyeler, o templo suíço para o modernismo europeu, mostrou Beatriz Milhazes em 2011. O MOMA dedicou uma grande exposição de Lygia Clark em 2014, e, com o Instituto de Arte de Chicago, vai mostrar Tarsila do Amaral em 2017-18. Tate Modern é um dos muitos museus que estão adicionando trabalhos latino-americanos em suas coleções. Sendo mulheres artistas não-ocidentais. O Brasil mostrou o caminho.

Fonte: The Economist
Texto: Jane Morris
Reportagem adicional: Georgia Grimond
Foto: Vicente de Paulo